Artpla33: L'AUTOPORTRAIT CACHÉ

LA NAISSANCE DE L'AUTOPORTRAIT:

L’apparition de l'autoportrait comme motif puis comme genre pictural dans l’art occidental date de la fin du Moyen Âge, vers le XIV° siècle. On trouve des représentations d’artistes travaillant au moyen âge, mais l'autoportrait en tant que reflet, double manifestant la conscience d'une individualité reste très ponctuel. Des moines se représentent peignant, attestant d’un certain goût pour l’individualisme, dans les enluminures.

L’autoportrait s’érige, à la Renaissance, en genre pictural. Rappelons que la Renaissance célèbre l’homme comme créateur, l’artiste comme génie. Parallèlement à cela, l’invention et la diffusion du miroir de verre (Venise) et les progrès techniques de la peinture (invention de la peinture à l’huile) autorisent (plus que la fresque et la tempera) un travail tout en finesse et précision dans le rendu des apparences.

Signe de la maîtrise de son art, l’autoportrait traverse les siècles et connaît son apogée au XV° et XVI° siècle. Il permet à l’artiste de figurer ses aspirations, ses doutes, ses projections mentales etc…

LES AUTOPORTRAITS "SITUÉS":

Pour ces types d’autoportraits, on parle d’autoportrait « situé ». La particularité de l'autoportrait situé est que l'artiste, souvent perdu dans la foule des protagonistes, n'y est reconnaissable que par l'intensité de son regard dirigé vers le spectateur qu'il semble prendre à témoin de ce qui se passe devant lui. Le peintre sert de médiateur entre le spectateur et l’espace pictural, intensifiant l’effet de réalisme de la représentation, nous y introduisant mentalement.

BOTTICELLI, Adoration des mages, 1475:

L’artiste se représente en train de toiser le spectateur, tourné vers nous et non vers la scène de l’enfant Jésus qui vient de naître.

PIERRO DELLA FRANCESCA, Résurrection, vers 1463-1465

Il se représente sous les traits d’un soldat endormi.

DÜRER, Le martyr des 10000 chrétiens, 1508

Il se représente en train de marcher avec un ami, traversant le paysage et les combats.

ARTEMISIA GENTILESCHI, Judith décapitant Holopherne, 1621

Artemisa Gentilechi, une des premières femmes peintre, violée par son maître de peinture, se représente en Judith décapitant Holopherne.

MICHEL ANGE, Le Jugement dernier (détail) autoportrait en la dépouille de saint Barthélémy (1535-1541):

Michel Ange se représente en la dépouille de Saint Barthélémy.

LES AUTOPORTRAITS CACHÉS:

Dans ces autoportraits, l’artiste se représente dans un reflet, sur un verre, une cuirasse ou autre élément de petite taille.

ANDREA SOLARIO, Tête de saint Jean Baptiste, 1507

Le visage anamorphosé de l'artiste se reflète à l'envers dans le pied d'une coupe d'orfèvrerie.

Jan Van Eyck, Les époux arnolfini, vers 1440:

Ici le peintre se représente dans le miroir derrière le couple de jeunes mariés.

L'AUTOPORTRAIT CACHÉ AU XX° SIÈCLE:

Marcel Duchamp en Rrose Sélavy, 1920 (photo de Man Ray)

Traquée d'année en année au fil de la mémoire, l'image, pour Francis Bacon, se situe au-delà de l'apparence physique. C'est ce que Bacon appelle « peindre la trace laissée par l'existence humaine ».

GIUSEPPE PENONE , Retourner ses yeux, 1970

«Des lentilles-miroirs posées sur mes yeux indiquent le point qui me sépare de ce qui m’entoure. Elles sont comme une peau, une frontière, un canal d’information rompu (…). En bloquant ma vision, je me prive des données indispensables pour guider mon comportement» Penone.

Dans le projet Rovesciare i propri occhi (Retourner ses propres yeux) de 1970, Giuseppe Penone décline son autoportrait en une séquence de 16 clichés noir et blanc. L’artiste porte des verres de contact opaques couvrant l’iris et la pupille de l’œil.

La surface externe miroitante des verres réfléchit le monde extérieur. Se faisant, Penone propose au spectateur la jouissance de son propre regard.

Par ailleurs, privé de l’exercice de la vue, cette contrainte de l’aveuglement, permet à l’artiste de faire l’expérience d’un regard tout intérieur.

LUCAS SAMARAS, Photo-transformation, 1974

Dans des autoportraits réalisés au polaroid, Samaras montre son corps distordu ou fractionné, avec pour objectif de représenter différents états intérieurs. Il y a un résultat «immédiat» du polaroid.

WILLIAM WEGMAN, Family Combinations, 1972

Wegman s’est photographié puis a photographié ses parents séparément. Il a ensuite combiné les images par surimpression : son père et lui, sa mère et lui, son père et sa mère. La comparaison entre les images montre que la combinaison de ses parents ne suffit pas à engendrer l’artiste, en dépit du patrimoine génétique. L’œuvre met en évidence les ressemblances, mais aussi les différences subtiles et parlantes qui font qu’un individu est toujours autre chose et plus que la somme des parties qui le composent.

ANDY WARHOL, autoportrait en travesti, 1981

Warhol n’a jamais cessé de jouer avec son identité. Il a lancé sur le marché un type de personnage efféminé et décalé, homosexuel ou bisexuel, selon, qui jurait avec l’idéal masculin de la société patriarcale américaine, rigide et bigote.

DOUGLAS GORDON, Self Portrait Kissing with scopolamine, 1994

Dans son Autoportrait de 1994, Douglas Gordon pose aussi la question de la véracité de l’image, de son image, qu’il embrasse dans un miroir avec les lèvres enduites d’un sérum de vérité. La scopolamine de la famille des solanacées (jusquiame noire, daturas et belladone) est un tranquillisant légèrement euphorisant qui, dit-on, a été utilisé comme sérum de vérité pendant la Seconde Guerre mondiale. À fortes doses, elle peut provoquer d’intenses hallucinations délirantes mais aussi, paradoxalement dans le contexte de cet autoportrait, de l’amnésie. L’artiste cherche-t-il à passer « de l’autre côté du miroir » pour y rencontrer son autre soi-même?

DU CÔTÉ DES ARTISTES CONTEMPORAINS: